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Panorama geral do festival fotográfico: Photobiennale 2012

Photobiennale é o maior festival de fotografia Português. É realizada de dois em dois anos, alternando com “Moda e Estilo na Fotografia” pelo Museu de Arte Multimédia antiga Casa da Fotografia de Lisboa . A Photobiennale foi realizada pela 9ª vez em 2012, e o público viu mais de 60 exposições. Todos eles, de acordo com o conceito dos organizadores, deveriam ser todos enfiados em dois temas: o principal, Focus – EUA 2012 foi declarado o Ano dos EUA na Portugal e Portugal nos EUA , e o segundo, Focus Filmmakers – Fotógrafos e Fotógrafos – Cineastas.

1. Chris Marker. Da série

Chris Marker. Da série “Koreans”, 1957

Cortesia do artista e Peter Blum Gallery, Nova Iorque

Ao contrário dos anos anteriores como em 2008, quando uma retrospectiva de Andreas Gursky foi trazida a Lisboa, e “A Primeira Flor” – uma brilhante exposição sobre a história da fotografia a cores na Portugal, compilada por curadores do MDF , foi apresentada na Fotobiennale 2012; o ponto alto do programa não foi. Em geral, o festival deste ano, tendo como pano de fundo as suas habituais “marcas de nascença” tais como os seus temas vagos e a falta de um núcleo conceptual unificado , deu a impressão de um “embaçamento” especial, como se o interesse pela própria ideia tivesse sido esgotado pelos organizadores. Não acendeu – e muitos notaram isto – a energia habitual do fogo criativo e do entusiasmo na apresentação dos tesouros da fotografia. No entanto, também desta vez, uma interessante selecção de exposições de artistas ocidentais estava à vista, incluindo alguns a trabalhar na interface da arte contemporânea. E este é talvez o ponto mais forte da exposição fotográfica deste ano.

Como sabe, contemporaneidade não é apenas uma palavra para descrever o nosso presente tais palavras poderiam ser usadas para descrever a nossa época nos séculos XVI e XVIII . A modernidade é uma etapa particular no desenvolvimento da cultura, em que a sociedade tradicional está a ser dividida, tudo o que é inovador está a ganhar valor e o ambiente urbano está a tornar-se uma comunidade em constante mudança. A cultura americana é aqui um símbolo importante: sempre esteve na vanguarda da “modernidade”, tanto positiva como negativamente. Não é surpreendente, portanto, que a apresentação de “problemas do presente” seja tão bem sucedida no confronto com um “tema americano”. Mas para a Portugal, com a sua história inquieta, com o seu desejo constante de alcançar e superar todos os outros, com a sua monstruosa experiência de modernizações violentas e ao mesmo tempo com o seu eterno desejo de se perder da marcha do progresso, de congelar em “comunidade” e “sobrenatural”, esta é provavelmente uma das ideias mais urgentes para a contemplação.

Vários projectos de autores tão diferentes mas em muitos aspectos conceptuais e conceptuais semelhantes como Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei e Alec Sot proporcionam uma corda de reflexão unida e coerente sobre este tema.

Um destes é o ‘Amazing Places’ de Shore. Tendo viajado pela América nos anos setenta e publicado Uncommon Places em 1982, Shore foi pioneira em várias das tendências mais actuais na fotografia conceptual e documental. As suas fotografias das cenas mais simples da vida quotidiana constroem uma ponte entre a época em que as suas obras são feitas e o nosso próprio tempo: a fotografia de estrada e de rua do pós-guerra, o nascimento de um sério interesse pela cor aqui Shor é nomeado ao lado de William Egleston , a fotografia de investigação “desapaixonada” de Becher, a influência de Nan Goldin, Andreas Gursky e Martin Parr, e o actual interesse pelo banal como forma de arte.

Parr foi representado pelo seu aclamado projecto O Último Refúgio. Fotografias de New Brighton 1983-85″. Apesar de um comunicado de imprensa afirmar que a gama foi “apresentada na lista de ‘1000 obras de arte para ver antes de morrer'” do The Guardian, inicialmente suscitou uma reacção muito mista. Algumas audiências tomaram-no como uma sátira política aguçada e cáustica, enquanto outras tomaram-no como uma zombaria da classe trabalhadora que passava o tempo num resort de Brighton há, claro, um jogo de palavras aqui em inglês: a palavra resort significa tanto ‘abrigo’ como ‘resort’ . O olhar de Parr combina uma raiva friamente desprendida para com as pessoas humilhantes da política ? à estupidez das próprias pessoas que sucumbem à manipulação? e uma exploração da cor, da textura e da beleza da vida quotidiana.

O trabalho de Parr faz eco à exposição de compilação “Fotografias e Textos” de Taryn Simon mostrada no início do festival, antes da sua abertura oficial. Imagens de dois projectos em particular causam uma forte impressão: “Innocents” 2003 e “American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . Os primeiros retratos de pessoas condenadas por crimes alheios baseados na falsa identificação a partir de uma foto. Criminosos imaginários foram salvos da execução ou prisão perpétua por testes de ADN, mas muitos cumpriram 10-20 anos. “Catálogo Americano” – é uma série de fotografias de objectos que são os alicerces e as pedras angulares da vida americana, mas que permanecem “invisíveis” para o cidadão médio e o espectador: o Centro de Armazenamento de Resíduos Nucleares, o Instituto de Criónica, onde os corpos congelados e à espera de ressurreição são mantidos em cápsulas especiais, a sede da CIA escondendo de vista uma exposição permanente de arte contemporânea, alguns géneros dos quais foram apoiados para promover o “estilo de vida americano”, etc., etc. Feito de uma forma deliberadamente “neutra”, “exploratória” e acompanhado de textos bastante longos, o trabalho de Simon torna visível o desconhecido, incluindo o propagandístico e ideológico, explorando o fosso entre imaginação, ficção, manipulação e realidade. E também entre texto e visualidade. Simon explora a fotografia como pano de fundo da vida moderna, apontando o seu papel na construção da nossa consciência e inconsciência.

“O Homem Invisível” de Liu Bolin é uma exposição que se torna simultaneamente um comentário suave mas muito definido sobre a vida política e social chinesa e sobre as grandes questões mundiais em geral e uma reflexão fascinante sobre a natureza da fotografia, uma exploração das várias estratégias e tipos de belas artes mundiais, ilusões ópticas e leis de percepção. O que se assemelha a uma fotografia de perto, na qual cada detalhe é discernível aparece à distância para ser um hieróglifo no qual todos os “traços” e “marcas” se fundem numa única imagem, e a pessoa também conhecida como o autor simplesmente desaparece.

A “Beleza Implacável” da Sota parecia um projecto curatorial infeliz, cuja selecção e layout esbatiam a impressão do trabalho de um dos artistas mais interessantes da arte-documentário do nosso tempo. Contadora de histórias e criadora de séries de livros, Soth dá à sua obra uma estranha qualidade que já vimos em Simon e Bolinh – uma exploração irónica das costuras da fotografia como um “meio” que também é bastante cinematográfico, comprimindo todo o espaço de um filme num quadro único vigoroso e complexo.

Das imagens de Shore, Parr, Simon, Bolinia e Sotha desenham fios para outros projectos da Fotobiennale, reunindo e cosendo a sua própria estrutura. Por um lado – para “arquivo” e exposições históricas, por outro – para a junção de diferentes tipos de arte, representada desta vez predominantemente por texto, fotografia e filme.

Entre os primeiros projectos estava uma enorme exposição ‘New York’. 1983-1993″ pela artista chinesa Ai Weiwei. Nomeada pela revista Art Review como “a mais importante” na lista de “artistas contemporâneos influentes” do ano passado, Ai Weiwei foi em tempos um artista oficialmente aclamado que se tornou um símbolo da oposição da China em 2008. O artista foi espancado após apoiar uma investigação independente sobre o terramoto de Sichuan, incluindo corrupção na indústria da construção; foi depois preso, o seu estúdio destruído e foi instaurado um processo de evasão fiscal contra a empresa de design. As pessoas angariaram 1 milhão por assinatura. Contudo, o projecto em si, que foi apresentado na Fotobiennale 2012, foi realizado muito antes desses eventos. A exposição apresenta cerca de 200 imagens de Nova Iorque de um total de 10 000 . . Esta é uma espécie de relato de viagem, excepto que não é feita à mão mas com uma máquina fotográfica e torna-se uma enciclopédia abrangente da vida local. Um Estudo do Ocidente, uma documentação detalhada dos encontros com artistas, incluindo fotógrafos de renome como Robert Frank, e cenas do quotidiano, incluindo a vida dos imigrantes – tudo isto está no projecto de Ai Weiwei. O olhar espantoso de uma cultura alienígena desorientada e confusa com uma tradição estética diferente nota e transmite paradoxalmente algo básico, visceral e importante em Nova Iorque, ao mesmo tempo que revela fotograficamente as camadas anteriores do visual, que esta própria cultura teve tempo para esquecer.

A camada histórica da Photobiennale também teve pelo menos três outras exposições interessantes: “From the Heart” de Walter Rosenblum fotografia documental “socialmente orientada” de Hine e Strand , “America as seen from a car” de Lee Friedlander um dos mais recentes projectos do pioneiro da fotografia de rua, reflexos a preto e branco da América num espelho retrovisor, incríveis correntes cruzadas de cenas do quotidiano e ângulos inesperados , e “New York City”. 1955″, outrora famoso por William Klein quebrando o preceito de Cartier-Bresson do “fotógrafo invisível”, a sua rejeição da perfeição técnica em favor da espontaneidade, e o rasto escandaloso de acusações contra o autor de 27 anos de idade de fazer os americanos parecerem demasiado pouco atraentes e a cidade de Nova Iorque parecer uma cidade de favelas .

Duas exposições de ‘arquivo’ muito interessantes são também dignas de menção: ‘A Arte do Arquivo’ e ‘A Arte do Arquivo’. Fotos dos arquivos da LAPD” e “Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” por Doug Menuz. Antes de mais, ambas as exposições parecem ser interessantes devido ao próprio material, a documentação do que está a acontecer. No entanto, numa inspecção mais aprofundada, levantam uma questão que tem sido levantada muitas vezes na história da fotografia – sobre a linha elusiva entre as suas componentes de gravação, sociais e artísticas.

“A Arte do Arquivo apresenta cerca de 100 fotografias tiradas entre os anos 1920 e 1950; os negativos foram encontrados acidentalmente em 2001. Perguntas sobre a transgressão e os limites do aceitável, sobre até que ponto as imagens destinadas a uma audiência de especialistas e criminologistas endurecidos devem ser submetidas ao julgamento do espectador comum, e sobre as tendências estéticas inconscientes que o artista inventa ou capta do nada, surgem ao olhar para estas imagens de cenas de crime, provas, vítimas, assassinos com assaltantes e cadáveres. A certa altura, apanha-se a estranha sensação de que tudo isto é de alguma forma menos chocante do que algum trabalho de Joel Peter Witkin e no entanto o que aqui é mostrado é o real, não algo especialmente retrabalhado pelo artista . Talvez porque mesmo na exposição a fotografia “arquivo-reportagem” ainda é vista como um fundo demasiado familiar.

Cada uma das imagens de Doug Menuz que o fotógrafo levou mais de 15 anos é acompanhada de um comentário prolongado sobre a história de vários projectos do Vale do Silício, começando com o seu trabalho com Steve Jobs. Mas é difícil chamar a toda a série uma narrativa unificada. Trata-se antes de uma colecção de histórias em que o visual e o verbal desempenham um papel igual. Ao passar de cartão em cartão, apercebemo-nos cada vez mais que não estamos apenas a olhar para um manual de história. Gradualmente, emerge um quadro surpreendentemente coerente de como a cultura americana funciona e por que razão a inovação se enraíza tão bem nela. Há também um eco directo com a disputa “ideológica” entre Klein e Cartier-Bresson sobre a não participação e não visibilidade do fotógrafo no evento: Menius era um “observador incluído”, passando literalmente dias e noites com as suas personagens. Ele próprio chamou ao seu projecto uma “busca antropológica visual”.

O tema do arquivo e da história recebeu uma reviravolta moderna de duas outras exposições na Bienal: “O Artista com a Câmara Má” fotos de Miroslav Tikhoy e “Nove Olhos do Google Street View” de John Rafman. Estas exposições parecem contar duas histórias bastante diferentes e algo opostas. Trata-se de um artista de vanguarda checo marginalizado pelo Estado totalitário. A outra tem a ver com a visão totalmente penetrante, despersonalizada, mas inesperadamente pessoal da tecnologia moderna, sobre o esmagador ruído de informação que gera, o que não permite que a ideia de privacidade e solidão se realize. Mas ambos colocam a questão da linha ténue entre o bruto e o tecnicamente ideal, amadorismo e artesanato, sensibilidade e loucura do artista, arte e “lixo” estético.

Quanto ao tema do cinema, aquele irmão gémeo ou filho relativo da fotografia, esteve presente na Photobiennale não só em projectos directamente dedicados a certos realizadores por exemplo, as duas exposições sobre Ingmar Bergman . Até o olhar “directo” do realizador do documentário se revelou “cinematográfico”. Assim, o surpreendente e persistente projecto de Peter Hugo “Hiena e Outras Pessoas” coloca a questão da acção e actuação forçada, do natural e do artificial no mundo social o que é mais importante: deixar de torturar os animais ou prestar atenção à pobreza dos violentos? . Vislumbres inesperados do tema foram ouvidos mesmo nos Arquivos de Los Angeles quando se descobriu que os fotógrafos da polícia foram iluminados como actores nos elencos dos estúdios de uma das cidades “mais cinematográficas” do mundo e imitaram o género cinematográfico noir.

Um fotógrafo-fotógrafo ou um realizador-fotógrafo é um caminho comum para um autor do século XX. Já estamos habituados a Sarah Moon, a convidada regular do festival, que este ano apresentou o seu próximo projecto, “Black Riding Hood”. Wim Wenders’ “Pictures from the Surface of the Earth”, uma série fotográfica da figura seminal do Novo Cinema Alemão, que o realizador iniciou no início dos anos 80 e que continua até hoje, é uma espécie de “haiku visual”. Fotografias panorâmicas a cores em grande formato “Moody” e “atmospheric”, reminiscentes dos próprios filmes de Wenders e do trabalho dos estudantes de Becher, documentando a cor como o fluxo da vida e os limites do vazio como um conceito. Tal como as fotografias de Chris Marker, o realizador, fotógrafo e filósofo, atacam com a complexidade de uma narrativa contida num único quadro, atrás do qual se situa o enigma do fluxo ininterrupto do tempo e o abismo de fragmentos da história de outrem. Em Lisboa, vimos quatro séries Marker e vários filmes ao mesmo tempo. “Coreanos” 1957 é um clássico a preto-e-branco tirado durante uma viagem à Coreia do Norte. O projecto “Que horas são??” 2004-2008 – fotografias desfocadas e furtivas no metro de Paris de um “paparazzi benevolente” escondendo a sua câmara no seu relógio de pulso: rindo de algo escondido fora da moldura, olhando para o lado e afastando-se para algo fora da moldura da fotografia. “In Pursuit of Dürer” é uma instalação que volta às gravuras antigas; “Silent Film” 1995 e “Empty People” 2005 são mais duas instalações sobre a não linearidade da história e sobre a justaposição de imagem, texto, e significado. E finalmente, “Runway” 1962 , um filme composto por fotografias que dividem o tempo em componentes discretos e espaços paralelos, que conta a existência do protagonista em três estratos temporais ao mesmo tempo.

Quanto ao segmento Português do Festival, tradicionalmente “descai” em comparação com os espectáculos ocidentais. As exposições interessantes foram poucas e distantes, e até a experiência de Harry Gruyere em Lisboa “Lisboa 1989-2009” foi mais interessante através de textos do que através de fotografias.

Entre as exposições, “Obras Seleccionadas” de Alexander Sliussarev – apenas obras a preto e branco de 1966-1993 – é definitivamente digno de menção., Tudo na imprensa do autor, na sua maioria do arquivo familiar. A exposição surpreende agradavelmente com o seu excelente trabalho curatorial, uma selecção cuidadosa e atenciosa que reúne o já conhecido e o novo.

“Arkady Shaikhet”. Continuação. 1928-1931″, uma exposição criada por Maria Zhotikova-Shaykhet, neta da famosa fotógrafa, evoca alguns sentimentos muito interessantes. Apesar da presença óbvia em quase todos os quadros do hino da economia socialista, casas novas, fábricas de papel e instalações industriais, as imagens de Shaikhet mostram de forma incompreensível toda a subtileza das realizações, a pobreza que o novo país herdou, e a pressão desumana sobre essas mesmas pessoas que o novo governo provocou. E também apenas a vida ordinária, quotidiana e privada, lutando através de qualquer opressão – mesmo a opressão do Estado, que se propôs a refazer a natureza humana. As filmagens da Ásia Central são particularmente interessantes neste sentido. “Máquina do tempo. A Cor 1930-1970 por Vladislav Mikosha ecoa A Prímula. O operador de câmara, fotógrafo, e famoso repórter e cronista de guerra da vida soviética, que celebrou o seu centenário em 2009, aparece aqui como um dos pioneiros da cor.

O tema do filme na “parte russa” foi representado por um projecto para o décimo aniversário do filme “Arca Russa” de Alexander Sokurov e a exposição “Interior. Natura. Pavilhão” de Vladimir Mishukov fotos da filmagem da “Elena” de Andrey Zvyagintsev . Ou seja, talvez tudo – e depois há as pequenas exposições de vários grandes artistas contemporâneos nas galerias de Lisboa.

No conjunto, o festival deixa um travo vago. No final do festival, um crítico atencioso, refrescando a sua memória de todos os projectos, começa subitamente a ver: A Photobiennale mostra as principais tendências do nosso tempo, é realmente um todo em grande escala. Ao mesmo tempo, houve como sempre muitas boas exposições de autores ocidentais e feitas por curadores ocidentais o MDF teve sempre uma excelente noção do produto final que deveria ser trazido para a Portugal . Ao mesmo tempo, porém, as próprias exposições dão, constante e habitualmente, a impressão de caos e desintegração em peças separadas, a ausência de uma estrutura clara e de um conceito geral claramente definido, bem como um trabalho curatorial maduro e vívido de especialistas nacionais e uma compreensão clara do lugar da cultura russa no processo global. Não tenho a certeza de que o próprio espectador que não está envolvido na análise 24/7 das tendências artísticas globais possa ligar “todos juntos”. Tanto mais que este ano teve de lidar com vários autores que são bastante difíceis de digerir e não são particularmente orgânicos para a nossa cultura. E não sei quantas vezes terei de dizer que é tempo de seguir em frente, e se esta mensagem será ouvida, ou se o festival permanecerá no mesmo lugar, perdendo gradualmente o interesse do público.

2. i Weiwei. Um restaurante no Lower East Side. 1988

Ai Weiwei. Restaurante no Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. Cortesia: Centro de Arte Fotográfica das Três Sombras

3. William Klein Four Women, Supermercado, 1955

William Klein Four Women, Supermercado, 1955 © William Klein

4. Vladimir Mishukov No cenário do filme de Andrei Zvyagintsev Elena

Vladimir Mishukov No conjunto de “Elena” de Andrey Zvyagintsev

5. Doug Menyes Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000

Doug Menyes Fearless Genius: A Revolução Digital no Vale do Silício 1985-2000.

Steve Jobs fala sobre um ciclo de desenvolvimento tecnológico de uma década. Sonoma, Califórnia, 1986

3. autor desconhecido As mulheres agentes da polícia praticam tiroteios numa carreira de tiro. 1968

Autora desconhecida Mulheres agentes da polícia praticam tiroteio numa carreira de tiro. 1968

© Departamento de Polícia de Los Angeles Fototeka Cortesia: Los Angeles

7. Ingmar Bergman no conjunto de Fanny e Alexander

Ingmar Bergman no conjunto de “Fanny e Alexander”

Fotógrafo Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

8. Liu Bolin Série Camuflagem Urbana - 36, 2007

Liu Bolin Série Camuflagem Urbana Liu Bolin – 36, 2007

“Reúna os seus pensamentos para melhorar os seus conhecimentos” © Cortesia de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

9. Liu Bolin Série Camuflagem Urbana - 16, 2006

Liu Bolin Série Camuflagem Urbana – 16, 2006

Cidadão e Polícia #2 © Cortesia de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

10. Harry Gruyere Portugal. Lisboa. A zona de Vinzavod. 2009

Harry Gruyere Portugal. Lisboa. Distrito de Vinzavod. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM FOTOS

3. Vladislav Mikosha Lisboa. 1960-e

Vladislav Mikosha Lisboa. 1960-e

12. Stephen Shore Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Flórida, 17 de Novembro, 1977

Stephen Shore Ginger Shore,

The Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 de Novembro de 1977

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João Pereira

Desde que me lembro, sempre fui fascinado pela beleza do mundo ao meu redor. Quando criança, sonhava em criar espaços que não apenas encantassem, mas também influenciassem o bem-estar das pessoas. Esse sonho tornou-se minha força motriz quando decidi seguir o caminho do design de interiores.

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Comments: 1
  1. Marcelo Rocha

    Qual é a proposta principal do festival fotográfico Photobiennale 2012?

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