O olhar de um autor em fotografia

Disparar pelas costas da personagem principal, que é frequentemente utilizada em filmes, cria a impressão de que vemos a cena através dos seus olhos, e através disso identificamo-nos involuntariamente com ele. Em geral, a identificação do espectador com qualquer pessoa o autor ou o herói ou qualquer coisa na obra de arte é um tema transversal em toda a arte e um critério chave para lidar com a arte.

Admito que o tiro foi tirado casualmente, sem grandes expectativas, mas acabou por ser o melhor tiro do dia. Podemos recordar que, de acordo com testemunhas, Cartier-Bresson disparou não poucas fotografias, e a proporção de impressões que disparou, de acordo com muitos relatórios, era bastante normal, ou seja. e., Se ele trabalhasse na nossa editora, teria tido de ouvir um resmungão contabilista: 2 filmes foram comprados e 3 sequências foram acrescentadas à edição, um desperdício óbvio. Conclusão prática: disparar ao mais pequeno sinal – haverá mais hipóteses.

O disparo “funciona” graças à solução composicional: aqui está um padrão transversal oblíquo uma linha de cadeiras de mesa e o olhar do herói a cruzar, o que especulamos , e incidentalmente, um daqueles casos em que um sensor cortado daria um resultado melhor do que um sensor de quadro completo, como aqui detalhes desfocados na parte superior do quadro teriam sido melhor evitados .

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 75mm, ISO 100, 1/15 seg, f/7.1, compensação de exposição -1/3, prioridade de abertura.

A questão mais importante na fotografia é: Porque é que a quer de todo?.

“As minhas fotografias de retrato dizem mais sobre mim do que sobre as pessoas que fotografo”.

Richard Avedon

Porquê?.. Se estás a filmar para viver, isso é outra história. O fotógrafo Vladimir Arkhipov mencionou mais de uma vez que, aos seus olhos, um fotógrafo amador sério é de mais alto nível do que um profissional, porque o caminho desde ele até ao Mestre é mais curto e mais direito, e um profissional filma salsicha.

O que é verdade é verdade: qualquer pessoa que fotografa por dinheiro confirmará que uma parte significativa da fotografia comercial – é quando se é, relativamente falando, trazido para uma sala desagradável e diz: “Tire uma fotografia desta beleza, precisamos de catalogar” . O passo seguinte é dominar as técnicas e métodos necessários.

E, claro, é sempre uma alegria se a perícia estiver ao nível do par e a moldura ficar bem não me canso de me perguntar que encantamento infantil qualquer verdadeiro fotógrafo, embora já de cabelo grisalho, observa o processo muito técnico de como a imagem aparece , mas isso não muda a questão: também se pode fotografar salsichas alegremente.

É diferente quando uma pessoa tira fotografias devido a uma necessidade interior – “porque eu gosto”. O desejo de auto-expressão assenta nas camadas mais profundas da psique e manifesta-se indefinidamente: quem dispara, quem compõe, quem faz artesanato, e se não há nada disso, escreve na vedação..

Qualquer trabalho ligado à arte é valioso, antes de mais, porque é um espelho no qual uma pessoa, se tentar e quiser, pode ver-se objectivamente como diz Viktor Ivanovskiy, se for sentimental, as suas fotos são sentimentais; se for tolo, as suas fotos são tolas . E basicamente não há outro espelho. Assim, sem arte será visto pelos outros muito melhor do que você, mas com ela terá uma oportunidade preciosa de ver, compreender e melhorar a si mesmo.

Só a este respeito, devemos também recordar as palavras de Sekou Asahara, executado pelo ataque de gás do metro de Tóquio: ele disse que o pior castigo espera os actores e actores na vida após a morte, pois ensinam às pessoas reacções falsas alienígenas ao seu ambiente. Depois de ter visto muitos bons exemplos, uma pessoa repete as palavras e as queixas de alguém em vez de ponderar que negócio ele próprio tem com tudo isto, ou seja, quem ele é, de facto.

A pergunta é sempre difícil e por vezes até dolorosa, e respostas simples como “Sou argentino” ou Papuan , “Sou fã de um clube de futebol” ou “Sou um roqueiro” satisfarão uma pessoa exigente não por muito tempo. As opções alienígenas e incitadas são mais perigosas: não são assim tão fáceis e podem ficar presas numa pessoa para sempre. Na verdade, estamos bastante familiarizados com eles – são carimbos fotográficos.

“Uma máquina fotográfica pode fotografar um pensamento”.

Dirk Bogarde

Uma das melhores subjectivamente, é claro e certamente a forma mais interessante de lidar com todas estas questões é a fotografia. Em todas as fases da sua criação tema, composição, encurtamento, etc. , a questão é: porque é que quer tirar uma fotografia?. a fotografia é sempre uma escolha, encontrando a solução mais interessante de entre alguns dos possíveis conjuntos.

Parece que em cada caso estamos limitados a algumas variantes, mas um músico tem apenas 7 notas à sua disposição, e ninguém se queixa de que não há espaço para desenvolver. Cada dona-de-casa faz sopa a partir do mesmo conjunto de batatas, carne e sal, e é sempre diferente. É nas pequenas peculiaridades da escolha em cada fase fotográfica que reside a base material do início do autor, a matéria-prima a partir da qual é feita.

Pode ficar de pé onde está de pé, ou ficar de pé ou sentar-se. Pode-se incluir um canto de um edifício na moldura ou deixar um espaço em branco ao longo das arestas. Pode aplicar um valor de compensação de exposição de menos dois ou deixá-lo a zero… Bem, há uma escolha. Uma vez que a fotografia, na sua variante própria, é sobretudo arte não verbal o que significa que nenhuma imagem pode ser substituída mesmo por uma descrição verbal detalhada, há sempre algo inefável, ineficaz por palavras , pelo que a escolha é feita de forma intuitiva de cada vez.

Claro que é fácil para qualquer fotógrafo explicar-lhe depois de uma sessão fotográfica porque se sentou ou escureceu a moldura, mas isso não significa muito: tenha a certeza de que, se dois fotógrafos com a língua presa fotografarem a mesma cena de forma diferente, ambos justificarão as suas escolhas de forma igualmente convincente. A lógica vem mais tarde, quando já existe uma decisão intuitiva. É isso que deverá desenvolver em primeiro lugar, e ele, por sua vez, irá desenvolvê-lo.

“Não há regras para uma boa imagem. Há apenas boas fotografias”.

Ansel Adams

São desvios das escolhas mais óbvias e banais – em assunto, composição ou qualquer outra coisa – que se registam instantaneamente como as mais valiosas para o espectador, tão intuitivamente quanto vêm à mente ou imediatamente às mãos do fotógrafo.

Eles criam “pontos de interesse”, e a sua soma é estilo. A originalidade do autor, que está subjacente a tudo, pode ser convencionalmente definida como a atitude do autor em relação ao seu estilo, quando este o estilo também é sentido como uma ferramenta.

Mas não se pode enganar o subcortex: em vez de serem intuitivas, todas as construções rebuscadas são instantaneamente reconhecidas pelo espectador como falsas e por isso desinteressantes. Um fotógrafo tem de ver a sua moldura um instante antes de tirar uma fotografia claro, às vezes ele verá a moldura, mas na realidade algo não coincide ou fica no caminho – por exemplo, fundo errado ou pessoas extra, e ele tem de ter cuidado para não a derramar, mantendo-a na sua cabeça e num estado de fogo para trazer a realidade à sua ideia . Ver de tal forma que as emoções e tudo o resto que nelas existe, então há uma oportunidade de disparar o tiro com uma carga que irá “animar” também o espectador.

“Eu nunca me pergunto o que fazer. Eles próprios assim me dizem. As fotografias criam-se a si próprias com a minha ajuda.

Ruth Bernhard

O telespectador é uma coisa boa, claro, mas não é inevitável e nem sempre. Se a tarefa é dar sentido a si próprio e é daí que vem a originalidade da autora , então a autora pode ser uma espectadora bastante auto-suficiente: pense em Gauguin, Van Gogh ou na recém-descoberta ama de Chicago, que tem feito fotos para si própria toda a sua vida em segredo, que já está a ser quase comparada com Bresson no entanto, se se lembrar que eles comparam antiquários que têm de vender a sua colecção, então não há dúvida .

Pelo menos, nas fases iniciais da revelação fotográfica, quando não é tão fácil explicar a alguém exterior mas mesmo dentro de si o que se passa na sua fotografia e o que pretende, não precisa de uma audiência

Nesta fase, um fotógrafo novato tem uma tarefa enciclopédica, se a aprender com seriedade: experimentar o maior número possível de soluções diferentes para um determinado problema de filmagem, incluindo carimbos não muito hackneyed, e depois com cuidado, recordando as palavras de Asahara, examinar os resultados e tentar decidir por si próprio: o que é meu, o que não é na realidade é muito mais interessante e agradável do que se poderia pensar sem prática . Esta é uma etapa importante: cada técnica é um tijolo na parede do templo de estilo pessoal. E quando se tem algum tipo de experiência com ele e algum tipo de automatismo – é aí que um espectador compreensivo será precioso.

“Não disparei uma única moldura da forma como ia disparar. Ficam sempre melhores ou piores.

Diane Arbus

Uma das tentações mais perigosas e perniciosas na educação fotográfica, especialmente no início, é a luta pela perfeição rápida há uma armadilha semelhante na prática cristã, quando um novo convertido tenta tornar-se um santo o mais depressa possível . De onde vem esta perfeição na primeira etapa?

A forma mais fácil e rápida está de lado. Mas a perfeição de outra pessoa, se a tentar copiar e passar como sua, mata os próprios impulsos dos quais, com um desenvolvimento feliz, poderia um dia nascer uma excelente imagem. Neste sentido, o conto de fadas sobre Ivan-Tsarevich, que queimou a pele da sua mulher antes, pode ser lido como um conselho codificado para um jovem fotógrafo.

Use a pele pelo tempo que quiser, mesmo que não seja Calvin Klein ou suporte com a sua musa , e sentir-se-á melhor depois. A imitação não é apenas insustentável – matará a semente mais importante que precisa de ser cultivada e regada – autoria pessoal. E se o deixar amadurecer um pouco, será como na piada: “Quando crescer, terei tantos destes quantos quiseres. Assim, é altamente recomendável que um fotógrafo, especialmente um principiante, hooliganismo e experimentação – é uma imperfeição leve, consciente e deliberada, desvios das regras que compõem um estilo pessoal, e se for um egoísta saudável, não há tarefa mais importante do que isso.

“Se um vaso antigo for belamente esculpido e belamente pintado, será belo apenas por essa razão. Mas penso que o mesmo não se passa com a fotografia. Se não houver algo um pouco estranho, um pouco incompleto, parecerá apenas uma cópia de algo bonito. Não é provável que estejamos interessados nele”.

John Loengard

Naturalmente, o conjunto de ferramentas fotográficas é peculiar. Um artista que conheço ficou em tempos espantado: “Como deve ser difícil para vós, fotógrafos, encontrar um tema para que tudo coincida e ter tempo para fotografar. Para nós, com pintores, é muito mais fácil: aprendemos, desenvolvemos o nosso estilo e depois pintamos ao nosso próprio prazer.

Há uma razão para isso: um fotógrafo depende realmente mais do seu ambiente. É por isso que um conjunto de todas as técnicas possíveis é acumulado de todos os lugares possíveis. Há todo o tipo de truques durante a exposição cablagem, por exemplo , e ótica auto-fabricada, e “Photoshop”. Todas as ferramentas são boas desde que haja um resultado. Os argumentos de que a fotografia “pura” isto é, sem Photoshop é sempre superior e melhor parece estar a subsidiar.

Há algo de desportivo neles. É como dizer que se um ninja mata os seus inimigos com cinco armas diferentes, e o outro com uma única katana de confiança, então a segunda é mais importante. Isso pode ser, mas não necessariamente – é muito mais importante quantos inimigos e quais foram mortos por um e por outro. Embora, é claro, se se for adepto da katana especificamente, tal abordagem se torna mais clara.

“A fotografia não é tirada, ela é criada”.

Ansel Adams

Enquanto mencionamos o Photoshop, vale a pena recordar um facto ligeiramente desagradável para os fotógrafos: Cartier-Bresson desistiu da fotografia e começou a pintar no final da sua vida. “Aqui! – outro artista que eu conheço gritou depois de ouvir isto. – Vocês, fotógrafos, são fetichistas! Um verdadeiro artista sabe que todas estas coisas, tanto a máquina fotográfica como a pintura, são apenas ferramentas nas suas mãos!”Assim, talvez o Photoshop venha a juntar-se às fileiras um dia.

Mas de volta ao telespectador. O tema do espectador e, num sentido mais lato, a avaliação do seu trabalho esbarra muito em breve na questão do ambiente cultural e do contexto. Está firmemente ligado à origem do autor. Os artistas não vivem num espaço sem ar, e a alimentação da sociedade é muito importante para eles. É claro que a sociedade é grande à primeira vista, e na vida comum ninguém é impedido de comunicar apenas com um círculo estreito de uns poucos.

Mas quando se trata da matriz cultural, as coisas são um pouco mais complicadas. De facto, adoptámos a fotografia ocidental como o nosso padrão de excelência. Isso não é surpreendente, pois vai longe, e não há nada de errado com isso. Basta, por vezes, seleccionar exemplos a seguir, para distinguir claramente entre dois lados: o nível técnico de execução e o significado de cada imagem particular no seu contexto cultural.

Não se pode deixar de notar que o progresso na adopção da experiência ocidental na primeira parte, técnica, ultrapassou em muito os avanços na segunda. E isto é inevitável: um fotógrafo que cresceu num ambiente diferente tem extrema dificuldade em compreender os significados intuitivos codificados nas fotografias europeias, tal como o nosso artista não pode levar a peito os problemas que perturbam os europeus o suficiente para falar sobre eles numa linguagem intuitiva com um espectador europeu, por mais diligente que seja a forja das obras-primas europeias mais barulhentas.

“Há sempre duas pessoas em qualquer fotografia: o fotógrafo e o espectador”.

Ansel Adams

Não é preciso ir longe para dar exemplos. Qualquer fotógrafo principiante, se se esforçar o suficiente, pode dominar técnicas profissionais encontradas na fotografia de moda ocidental contemporânea por exemplo . Mas muito poucas pessoas conseguem compreender verdadeiramente a fotografia de arte ocidental moderna, não as aplicadas, como a moda e a publicidade.

Não são apenas as experiências de alguém – mesmo o trabalho de Andreas Gursky, cujo estatuto de maestro é repetidamente confirmado por milhões em vendas, causa um pequeno mal-estar: não estamos a ser enganados?? O que é este Warhol dos nossos dias? E apenas muitos zeros nos relatórios dos leilões são de alguma forma tranquilizadores. Parece que não se deixará enganar por esse tipo de dinheiro.

Onde vamos com isto? Gursky é apenas um exemplo de clareza. A questão é que aprendemos e até reparamos truques técnicos muito mais rapidamente do que os semânticos. Não é uma situação ideal, mas é ubíqua. E a conclusão é óbvia: é preciso aprender! Não só o “como” mas também o “o quê”, “sobre” e “porquê”. Já que estamos a falar de um iniciador, é uma boa ideia certificar-se de que a sua cabeça não está muito longe das suas mãos. E isso acontece, oh acontece!

“A fotografia em si não me interessa. Só quero captar um bocadinho da realidade”.

Henri Cartier-Bresson

Tenha um bom tiro!

As imagens do estúdio embora haja apenas um par de luzes de soft-box numa sala comum devem ser preenchidas, se possível, com algum conteúdo alegórico, pois o seu significado literal corre o risco de ser banalizado. A máscara – os vivos e os sem vida, a menina nua e a máscara ao mesmo tempo, a mãe e a criança – há várias perguntas “eternas”, e os fotógrafos terão respostas a elas até ao final do século. Tal como nos dias de cinema, o escurecimento ou clareamento local que era feito em papel nessa altura continua a ser um poderoso meio de expressão. Toda a margem direita da moldura foi escurecida, enquanto os rostos da rapariga e da boneca foram iluminados.

Canon EOS 5D, 70-200/4L a 105mm, ISO 200, 1/125c, f/11, modo manual.

Uma das histórias que vemos dezenas de vezes por dia, mas desta vez conseguimos separá-la do fluxo visual. O disparo divide-se em várias partes ambiguamente ligadas, e as suas correlações compreendem o seu interesse principal, embora a justaposição óbvia do toldo escarlate acima e o seu reflexo no espelho circular dominem certamente. A moldura teve de ser “photoshopped” um pouco: a borda da cortina inclinada foi realçada, e os detalhes brancos cegantes à esquerda do toldo foram escurecidos, de modo a não serem a parte mais brilhante da moldura. Tirada em fuga numa rua comercial em Kemer, Turquia.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 47mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, compensação de exposição -1/3, prioridade de abertura.

Ao tirar uma fotografia de estúdio, a autoria requer acima de tudo imaginação, um espírito descontraído, ausência de preguiça e, por vezes, hooliganismo imprudente. Detalhes expressivos são da maior importância, tais como aqui com pestanas falsas e uma tiara improvisada. A monocromia corta informação desnecessária e cria uma imagem monolítica.

Foto de Yegor Narizhnyy.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L a 95mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, modo manual, luz de estúdio.

Acontece frequentemente que se fotografa um espaço de que se gosta e depois, olhando para a imagem no monitor, percebe-se que não é uma moldura, mas um bom fundo para um disparo – falta-lhe um herói ou acção. Tomei a injecção, interessando-me pelo desenho gráfico das sombras e colunas, mas pode muito bem ser que se o vento não soprasse e a toalha de mesa na mesa distante não soprasse a injecção, como muitas pessoas fazem, e acabaria na secção “Lugares onde nada acontece” dos arquivos. Conclusão um: Ao fotografar, estar atento à mudança de estado de todos os detalhes no quadro e responder de forma rápida e intuitiva. Conclusão número dois: fazer mais takes. Este foi um dos cerca de cinco disparos, e enquanto todos foram tirados num minuto, todos eles parecem diferentes no monitor.

O processamento no Photoshop foi reduzido à saturação de cor e ligeiros ajustes de luminosidade.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 45mm, ISO 100, 1/400s, f/10, compensação de exposição +1/3, prioridade de abertura.

Esta é uma loja de alfaiate numa rua nocturna em Vienciana, Laos. Os manequins com casacos inacabados à noite, no brilho sem vida das luzes fluorescentes, estão cheios de significado.

A Fotografia Nocturna é um tesouro inesgotável de temas estranhos – no bom sentido – que trazem à tona o familiar de formas surpreendentes. Não precisa de um tripé para isto – um estabilizador e uma câmara com um ajuste decente de alta sensibilidade dar-lhe-ão muitas opções e manterão as suas reacções espontâneas, enquanto um tripé requer uma abordagem mais criteriosa. A mudança para o digital transformou completamente a fotografia nocturna, pelo menos a cores. Na régua de cálculo, teria sido necessária uma dúzia de medidas com um bom medidor de manchas, mas agora é necessário um tiro rápido e uma correcção rápida.

As fotografias nocturnas também são interessantes, pois permitem preservar a vibração da cor à luz artificial. A fotografia RAW é altamente recomendada.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 40mm, ISO 1600, 1/10 seg, f/5.6, compensação de exposição -1, prioridade de abertura.

Da série “Life of the models”. O chilrear excessivamente alegre das jovens modelos femininas numa sessão de fotos de moda pode levar ao tipo de fotos de aspecto engraçado que reflectem a divisão eterna da percepção masculina das mulheres em duas partes desiguais: acima e abaixo do pescoço. Naquele momento, pensei que era melhor não pôr a minha cabeça na mira.

No entanto, a imagem surgiu bastante integral, viva e emocional, e mesmo “aquecida” pelo esquema de cores saturadas.

Pentax 645, 75mm, Ektachrome 100S, 1/60 seg, luz de estúdio.

Cena de rua em Istambul no espírito da reportagem dos anos 1950-60: um momento fugaz, um olhar expressivo, um preâmbulo obscuro. Este estilo foi a realização criativa de uma solução técnica para o problema da captura e captura sem qualquer prelúdio, e a sua filosofia é baseada na transitoriedade e singularidade do momento, a estética do fugaz. É uma pena que à medida que os talentos técnicos das câmaras aumentaram e que a capacidade de capturar uma fracção de segundo no tempo se tornou uma questão natural, tenha deixado de inspirar os fotógrafos.

Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 a 23mm Eq . 46mm , ISO 100, 1/160s, f/4.5, compensação de exposição -1/3, prioridade de abertura.

Há duas “personagens principais” nesta foto: a parede da catedral e a silhueta negra em primeiro plano. Não é claro qual deles é “mais importante”, e esta incerteza é a razão da tensão no assunto.

A parte esquerda da moldura parece um pouco oca, mas resiste activamente ao corte e ao corte alguns testes mostraram que é melhor mantê-la como está .

Pentax 67, 90 mm, filme a preto e branco.

A mudança para o preto e branco resulta frequentemente na ênfase na textura, tão variada como o mar da vida, e coloca-a no centro do quadro. O centro semântico deste tiro fugaz, tirado num baile de finalistas da escola, é o dorso involuntário da rapariga, com tudo o resto a servir de pano de fundo, se quiser – o seu habitat, e o laço como uma espécie de pedestal. Tal como a suite faz o rei, também o faz o centro do quadro assunto, composição, etc. . d. não vive sem muitos detalhes subordinados e secundários, que ocupam muito mais espaço no quadro do que o próprio centro. Assim, a conclusão prática é: não tenha pressa em cultivar detalhes sem importância, e se decidir cortá-la, reinicie combinação de teclas Ctrl+Z para a versão inicial e verifique novamente se o tiro melhorou e se foram preservados alguns detalhes de composição não óbvios mas importantes. Foto de Yegor Narizhnyi.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L a 70mm, ISO 1250, 1/160c, f/5, prioridade de abertura.

Os detalhes arquitectónicos podem ser expressivos, e por vezes até parecer vivos, como aqui, onde uma janela de tijolo construída numa velha casa romana comunicou com um buraco circular durante séculos se ao menos soubesse do que se tratava . A foto original era muito maior por uma razão prosaica: na altura ainda não tinha guardado para um conjunto com esta câmara, e o enquadramento mostrou que era melhor cortar o círculo “como está” e não brincar com a relação de aspecto da parede em branco por baixo e por cima da janela.

Pentax 67, 90 mm, filme a preto e branco.

As paredes texturizadas dos antigos bairros de Atenas são uma séria tentação para o fotógrafo. Como sempre, o esquema de cores preto e branco enfatiza a textura, e aqui há muito: folhas escuras afiadas, paredes rugosas e passadiços caiados de branco. Os planos activos a parede são altamente expressivos, mas precisam de ser cuidadosamente “jogados” com detalhes de sotaque e arredores. Para um resultado interessante, é necessária prática e observação cuidadosa.

Câmara Pentax 67, 55mm, filme a preto e branco.