...

O insondável Alexander Kitaev e a sua São Petersburgo

A exposição de Alexander Kitaev no Centro de Fotografia dos Irmãos Lumiere tornou-se um verdadeiro acontecimento na vida cultural de Kiev. Kitaev é um dos principais fotógrafos de São Petersburgo, organizador e curador de numerosos projectos, e recentemente historiador de fotografia. Na história das gravações fotográficas de São Petersburgo desde o tempo de Ivan Bianki até aos dias de hoje, toma indiscutivelmente o seu lugar ao criar uma imagem única da CIDADE. O tema principal e favorito de Kitaev – São Petersburgo – é apresentado em tão grande escala pela primeira vez. A exposição compreende 130 obras originais criadas no espaço de um quarto de século.

A Lua. 1995 g

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev de entrevistas ao longo dos anos:

“Existe uma coisa como um ‘multi-tarefa’, ou seja, uma pessoa que é proficiente em vários ofícios. Na fotografia, sou tão multi-tarefa.

“O meu credo profissional deriva de anos de experiência: “Nunca fazer o que é exigido hoje em dia”. Considero o trabalho moderno como uma ordem, como violência contra a livre criatividade, que deve responder apenas aos movimentos interiores da alma.

“A certa altura percebi que a fotografia tinha absorvido tudo o resto em mim, que além das partículas de sangue vermelho e branco, o meu sangue consiste em halogenetos de prata sensíveis à luz e que sem a sua percepção constante não sou viável, que a fotografia se tinha tornado o meu modo de vida, a minha forma de percepção e comunicação. Foi por volta de 1987”.

“A câmara deve ser uma extensão da mão e libertar a cabeça para me imergir totalmente na criação da imagem”.

“São Petersburgo é intemporal para mim, e estou a tentar capturar o núcleo espiritual imutável desta cidade como uma pessoa. É contraditório, esta Personalidade”.

“Os retratos nunca desaparecerão, porque todos neste planeta estão em primeiro lugar interessados em si próprios, nas circunstâncias que ele propôs ou assumiu. Outra coisa é que o retrato não é adequado para os refinados jogos intelectuais e formais pós-modernistas da arte de hoje. Para muitos artistas é agora importante gritar o mais alto possível “Eu sou”!!!”. E ele nem sequer se importa se há ecos. E, num retrato, o artista está sempre em segundo lugar, com a personagem no primeiro. E o retrato é endereçado para amanhã, pelo menos. E um retrato pressupõe pelo menos um domínio do ofício, da escola. Tudo isto não é “actual” para a arte contemporânea. É por isso que muitos artistas hoje em dia se abstêm de pintar retratos. Eu estou na retaguarda. “Para mim, ‘actualidade’ em relação à arte é um palavrão”.

Alexander KITAEV

Alexander Kitaev.Foto de Stanislav Chabutkin.

A deriva do gelo no rio Moika. 2003 g

A deriva do gelo sobre a Moika. 2003 g.

– Alexander, reduziu drasticamente a sua actividade expositiva nos últimos anos. As suas exposições pessoais tornaram-se raras, como umas férias… Em que é que esta exposição se tornou para si??

– Houve de facto uma época em que tive várias exposições individuais por ano, para não mencionar a participação em dezenas de exposições colectivas. Eu fotografo muito, imprimo muito e quero que as pessoas vejam os frutos do meu trabalho. Agora estou a virar-me mais para a história da fotografia, e para o ensino. Tenho cada vez menos tempo para organizar as minhas próprias exposições. Mas se me oferecerem uma exposição, e se as condições forem aceitáveis, aceito. Esta exposição é constituída por várias séries e ciclos de fotografias criadas no passado. Cada uma destas séries foi, de alguma forma, uma etapa da minha vida, mas nunca foram exibidas todas juntas. A exposição dificilmente pode ser chamada de uma linha de fundo, mas sim uma retrospectiva.

– É certamente um dos fotógrafos mais famosos da Portugal. Sabe bem ser popular, e como se vive com isso??

– O termo “famoso” dificilmente se aplica a um fotógrafo. A que se encontra atrás da lente raramente é mais conhecida do que a que se encontra à sua frente. Talvez seja esta a peculiaridade da profissão. Os arquitectos vêm-me à mente? As suas obras de arte estão constantemente diante dos nossos olhos, todos nós as admiramos e admiramos, mas muito poucas pessoas se lembram dos seus rostos ou dos nomes dos seus criadores. Assim é com os fotógrafos: eles iluminam e iluminam o mundo à sua volta, mas eles próprios estão quase sempre na sombra. Assim, só podemos falar de um nível de fama muito limitado, ou seja, fama num determinado círculo de pessoas que, pela natureza da sua profissão, estão de uma forma ou de outra relacionadas com o “consumo” de fotografia.

O facto de eu ser, como diz, “famoso” em certos círculos tem, penso eu, duas razões bastante objectivas. Estou na fotografia há muito tempo, e tem havido uma mudança de gerações natural. E em qualquer comunidade ou profissão, deve haver sempre algum tipo de ancião com autoridade. Neste momento, sou eu. Portanto, não se trata dos meus talentos especiais, mas apenas de ter mantido o meu impulso criativo inicial e o sentido de mim próprio, o autor, como uma pequena ligação num bastão fotográfico sem fim. Bem, o outro aspecto também tem a ver com o tempo. Por volta da viragem do século XXI, com o advento da nova tecnologia fotográfica, a fotografia tem sido utilizada por milhões de pessoas em todo o mundo. Muitos deles querem melhorar no seu passatempo e procurar alguém com quem aprender e com quem se orientar. Muitas pessoas gostam das minhas fotografias, daí, pela lei dos grandes números, a minha fama.

Bem e quanto a “agradabilidade” e “como viver”, aqui, como qualquer medalha, dois lados. Já que estou aos olhos do público, tenho de olhar para muitas fotografias, a maioria delas más. E não apenas para olhar para eles, mas para dizer algo sobre eles e explicar, porque as pessoas vêm ter comigo para me aconselhar, ajudar e avaliar. É cansativo e entorpece o olho. Ao mesmo tempo, a minha popularidade permite-me lidar com muitas questões com menos esforço e energia. Seja a negociar com compradores ou a negociar com funcionários públicos para exposições.

– Como elevar-se como artista?

– Muito depende das condições de partida: família, círculo social, local de nascimento, etc. Eu nasci, como se costuma dizer, numa família “simples”. Os meus pais eram filhos de camponeses. O meu pai tornou-se mecânico de automóveis e a minha mãe enfermeira. Assim, o círculo social dos seus parentes tinha poucos incentivos para ser criativo. Mas eles ensinaram-me a ser um trabalhador esforçado. Na minha juventude, para além da fotografia, aprendi muitos ofícios. Trabalhar apenas mecanicamente nunca foi interessante para mim, e eu inventei algo em todos os campos. Quando a fotografia chegou à vanguarda da minha vida, percebi que não podia aprender o ofício, não o ofício, sem mudar o meu círculo social costumava trabalhar como metalúrgico numa fábrica . Na altura, no início da década de 1970., Juntei-me a um dos melhores clubes de fotografia do país naqueles anos, o clube Vyborg Palace of Culture VDC . Esse foi o primeiro passo. Mais tarde, quando já estava a trabalhar como fotógrafo artesanal numa fábrica, estudei muito e persistentemente na auto-educação humanitária. Mais uma coisa: em 1987 tornei-me membro do “Zerkalo” “Mirror” , o clube de fotografia, onde o ambiente prosperava com criatividade na altura. E depois tive sorte: fiquei a conhecer e a ser amigo de um artista maravilhoso e polimata Pavel Potekhin. Foi ele que completou a minha educação artística.

Estou convencido de que o título de Artista não pode ser um título em si. Em todos os momentos e em todas as gerações de fotógrafos houve mestres cujas obras caíram fora da linha geral. Para os marcar, para os fazer sobressair da multidão, os seus contemporâneos chamavam-lhes artistas. Disse algures que quando as minhas exposições estavam a abrir e tive notícias dos visitantes: aqui está ele, o artista, olhei nervosamente à minha volta para ver de quem ele estava a falar? Acabou por ser sobre mim. Era muito pouco familiar. Esse título foi agora diluído. Numerosas universidades e outros colégios formam artistas da mesma forma que formam engenheiros e professores no ensino secundário. E muitas pessoas que pegam numa máquina fotográfica encomendam imediatamente um cartão de visita que diz que o seu proprietário é fotógrafo e artista. Não quero juntar-me a estas fileiras. Tenho a sensação de que hoje em dia não é assim. A noção de “fotógrafo-artista” não tem mais significado do que a expressão “passageiro do eléctrico”.

– Para poder fotografar São Petersburgo tão vividamente, é preciso conhecê-lo e senti-lo bem. Como é que a sua visão da cidade tomou forma??

– Como foi formada?? Vou tentar dizer-vos, mas não pensem que foi uma tarefa deliberada que estabeleci para mim próprio em tenra idade. Aconteceu por si só. Sempre li muito, e sobre São Petersburgo muitas obras foram escritas por grandes poetas e escritores e foram ao fundo do tesouro da literatura mundial. Quando me encontrei com o olhar deste ou daquele sujeito de São Petersburgo – uma praça, uma rua, um edifício, e assim por diante. d., Já sabia algo sobre eles através da literatura. Mas sempre quis saber mais – a biografia do assunto que me interessava: quem eram os seus pais, quando ele nasceu, que horas eram? Para satisfazer esta curiosidade, tive de estudar a história de Petersburgo, e por causa dela, a história da arquitectura de Petersburgo em geral, e as biografias dos seus criadores e residentes famosos, daí a geografia. Separadamente, a iconografia de São Petersburgo, e consequentemente a história das belas artes. Há todo um complexo, não consigo enumerar tudo. Para mim uma coisa é certa: A cidade moldou-me e à minha visão. Talvez ele o tenha escolhido por alguma coisa. E estou em dívida para com ele. Não sei como aconteceu, mas ao contrário de muitos dos meus concidadãos, não vou às barricadas na luta contra esta ou aquela inovação em São Petersburgo. Sei que um “génio do lugar” pode lidar com tudo o que não é do seu agrado, e Deus irá gerir o resto. Parece-me que vivo nesta cidade há mais de trezentos anos e sei que nenhuma quantidade de intervenções tácticas pode mudar a sua estratégia. É ele que nos possui, a cidade, não nós que a possuímos!

Ao capturar a minha cidade, nunca pensei em vender as minhas imagens e quase nunca as filmei à comissão. Eu próprio sempre fui o cliente. E ganhou a sua vida e o seu trabalho criativo através de um tipo diferente de fotografia aplicada. Penso que isto deixou a sua marca na minha fotografia.

– Pode nomear as fotografias que realmente iniciaram o artista Alexander Kitaev?

– Sabe que trabalho em géneros diferentes? Bem, lembro-me muito bem de uma foto depois da qual disse a mim mesmo: agora pode tirar fotos de São Petersburgo. Então percebi que o sentimento de São Petersburgo que vivia em mim, consegui encarnar numa folha de papel com uma imagem de. Foi por volta de 1982, depois de mais de dez anos de fotografia. Foi então que senti em mim mesmo – e aqueles à minha volta ainda não o conseguiam ver – que algo estava a começar a surgir que mais tarde seria referido pelos críticos como “Petersburgo de Kitaev”. A mesma coisa aconteceu noutros géneros. Só que quando comecei a trabalhar em fotografia por volta de 1989 , comecei imediatamente a fazer algo que diferia muito do trabalho dos meus predecessores no género.

Joseph Brodsky explicou uma vez aos seus alunos que o trabalho de um poeta era sempre um trabalho de desenvolvimento, uma selecção e que o poeta era algo como um Hércules. As suas façanhas são os seus poemas. É impossível compreender o que é Hércules por uma, duas ou três proezas. Hércules é o doze. É assim na fotografia: não se pode dizer o início da viagem ou a escala do fotógrafo a partir de apenas uma imagem. E não é um negócio hercúleo chamar as nossas acções de proezas..

– O seu comando impecável de composição é um sentimento inato ou o resultado de um trabalho árduo e de anos de experiência??

– Nenhum dos dois. Aqui concordo com Thomas Mann: “o dom para o qual se tem uma necessidade interior é adquirido bastante rapidamente”.

Fotografar é bombardear uma emulsão ou matriz com fótons. Nem sempre é um bombástico. Mas devemos, pelo menos, fazê-lo em lotes. Para não entrar na sarjeta, é preciso adquirir a habilidade de composição. Talvez esta habilidade seja mais fácil e mais rápida para as pessoas de São Petersburgo. Os residentes do delta do Neva estão rodeados por um espaço maravilhosamente harmonioso criado por arquitectos de primeira classe; os museus de Petersburgo estão cheios de obras-primas de arte nobre, oferecendo exemplos de composição impecável. Tudo isto tem educado os olhos a torto e a direito desde a infância. Tudo o que resta é fazer uso dos frutos desta educação e obter um dom para ela.

Devo admitir que as chamadas leis de composição não são algo de uma vez por todas descoberto, estudado e recomendado como uma obrigação, garantindo o sucesso. O olho humano está cada vez mais equipado, e os termos clássicos para as leis de composição foram formulados quando as artes visuais ainda estavam na sua infância, quando as suas ferramentas ainda eram bastante simples. “Perspectiva tonal e linear”, “ritmo”, “trama e centro de composição”, “variedade”, etc. p. – ninguém cancelou isso. Um artista moderno, no entanto, usa uma lente ultra-angular ou ultra-longa-focalização, dispara sobre película infravermelha ou espreita para o invisível com raios X, etc. d. Tudo isto quebra o entendimento habitual do espaço e do objecto, encorajando a utilização criativa das regras de composição, adaptando-as à visão humana contemporânea. Na minha opinião, as leis da composição emergem sempre após a conclusão da obra. Um artista, não lendo um livro de texto, mas ouvindo algo do alto, cria uma obra perfeita. Um teórico aparece, decompõe a imagem nos seus componentes, pesa-a, sente-a, mede-a e expõe tudo. Depois escreve receitas para fazer obras-primas.

– A luta constante pela perfeição é a luta por algo impossível e inalcançável?

– Não! É a busca do máximo possível. Um certo garfo de afinação soa em mim, e quando ouço, compreendo se consegui ou não algo. Há aqui dois aspectos, como em todo o trabalho criativo: a técnica e a própria arte.

Em termos de técnica, é assim. Sabe que ainda trabalho em tecnologia de prata? E, ao contrário do digital, o digital não lhe permite dar um passo atrás. Todo o processo fotográfico prateado, com o seu ciclo obrigatório de processamento de imagens multi-passo e não-mentenário, estabelece uma espécie de ritmo de vida. A película de prata 35mm tem apenas um metro e meio de altura. Mas cada vez que lida com isso, ajoelha-se. É preciso expô-lo correctamente, e não se pode “limpar” o filme e expô-lo novamente. Não se pode desenvolver e não fixar, fixar e não lavar, lavar e não secar, etc. d. É disciplinada. Obriga-o, obriga-o apenas a avançar, para um ideal, um negativo perfeito, porque a segunda etapa envolverá a criação de uma impressão não menos perfeita, um positivo. Também aqui há muitas subtilezas, obrigações e armadilhas. Aqui está um exemplo. Trabalhar com papel natural requer sempre duas mãos. Todo o artista gráfico sabe disso. Os artistas gráficos sempre sentiram, e ensinaram-me a sentir, o papel, a sua textura e densidade, o seu comportamento longitudinalmente e transversalmente. Sempre apreciou o contacto táctil com ela. E quão insultuoso para eles, e depois para mim, foi o tratamento descuidado do trabalho no papel! Um comprador entra, agarra numa folha com uma mão e pronto, é-lhe garantida uma avaria! Nem sequer estou a falar de impressões digitais… Pode-se ver imediatamente que diante de si há um diletante com um bolso cheio de papéis de circulação.

Este é um dos lados da questão. A outra é que o fotógrafo, que aspira a ser criativo, tem de espremer constantemente o assistente de laboratório gota a gota. Oh, quantos dos meus colegas pensam que uma impressão perfeita é uma obra de arte, esquecendo que uma obra não é tanto um produto como uma mensagem. A tecnologia de imagem é tão boa hoje em dia que estamos rodeados de imagens fotográficas tecnicamente competentes. Mas se representam ou reflectem alguma coisa, é sobretudo o mundo interior relativamente primitivo do criador. E não dá nada à alma ou ao coração do espectador sofisticado. Mais uma vez, vou permitir-me citar Brodsky: “Um dos principais problemas que um poeta enfrenta hoje, contemporâneo ou não, é que a poesia que o precedeu – por outras palavras, o legado – é tão vasta que basta pensar se pode acrescentar-lhe, modificar os seus antecessores ou permanecer você mesmo. …Pensar que se pode dizer algo qualitativamente novo depois de pessoas como Tsvetaeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost, Eliot.., – ser uma pessoa muito arrogante ou muito ignorante. Eu próprio me colocaria nesta última categoria. Quando se começa a escrever, não se sabe muito sobre o que veio antes de si. Só em meia-idade é que se adquire este conhecimento, e ele dobra-o ao chão ou deixa-o hipnotizado.

– Ao julgar o seu próprio trabalho, confia apenas em si próprio?

– Nos últimos anos, tenho tentado ouvir-me apenas a mim próprio. Já falei sobre o meu garfo de afinação interior. Poucas pessoas estavam em uníssono comigo e eu não queria dançar ao som dos outros. Nem sei mais o que acrescentar aqui.

Mas nem sempre tem de se ouvir a si próprio. Aqui está uma história. Quando eu era fotógrafo num estaleiro de construção naval, costumava ficar irritado com as encomendas de produção que me obrigavam a fazer cópias de fotografias aplicadas em papel fotográfico prateado precioso. Pareceu-me que poderia usar todas essas folhas de papel para um maior lucro: imprimir nela algum trabalho de ficção, ou mesmo “netlennka”. Era especialmente irritante quando havia circuitos de diagramas de cablagem deste ou daquele dispositivo num navio submarino ou de superfície. Afinal, já existiam fotocopiadoras e fotocopiadoras – mais rápidas e mais baratas. Não, não tem! As exigências dos marinheiros eram imutáveis: apenas estampas de prata! Investiguei-o e descobri que, num ambiente agressivo, só a boa e velha tecnologia prateada preserva a imagem e, assim, ajuda a salvar a tripulação em perigo. Quando se trata da sobrevivência de pessoas em situações extremas, como podemos argumentar?? Que as minhas ambições artísticas em comparação com a vida das pessoas?

– Como a relação com os seus colegas foi moldada, havia um desejo de ganhar o seu reconhecimento?

– Foi diferente em fases diferentes. Era uma vez, certamente, importante obter o reconhecimento dos seus pares. E é por isso que. Historiadores do período soviético escreveram sobre fotógrafos da Portugal pré-revolucionária: “A criatividade de Dmitriev desenvolveu-se em condições difíceis da época czarista”. Agora diz-se muitas vezes que esta ou aquela pessoa cresceu nas condições intoleráveis dos soviéticos. Para os fotógrafos, as “condições difíceis” foram agravadas pelo não reconhecimento absoluto da fotografia pelas instituições soviéticas entre as artes. Mas não foi isso que nós fotógrafos pensámos! Além disso, estávamos a trabalhar num vácuo de informação e sabíamos e vimos muito pouco do trabalho dos nossos colegas estrangeiros, tanto predecessores como contemporâneos. Foi por isso que tivemos sobretudo de aprender uns com os outros. Não existiam outros especialistas! Essa é uma peculiaridade da comunidade fotográfica doméstica. Lembro-me de uma inundação de críticos de arte, curadores e proprietários de galerias que vieram do Ocidente para o nosso país depois da Perestroika, tentando descobrir a nossa fotografia contemporânea através dos seus colegas Portuguêss. Ficaram estupefactos: “O quê?? Foto? Existem tais artistas?”. Assim, a fotografia, tal como o sexo, não poderia existir no país soviético

Depois vieram outros tempos e outras atitudes. De alguma forma, o reconhecimento dos meus colegas passou despercebido. Sei por experiência como é difícil manter a pureza da percepção e a apreciação das obras de velhos amigos e conhecidos. Quero distância. Então é pelo menos um pouco como uma percepção de magnitude absoluta.

Petersburgo. 2005 g

Petersburgo. 2005 g.

Árvores. 1992 g

Árvores. 1992 g.

Mouth of Garden Street. 1995

Garden Street Mouth.1995 g.

Auto-retrato com crianças. 1995 g

Auto-retrato com crianças. 1995 g.

Março. 2008 g

Março. 2008 g.

O Canal Bypass. 1995 g

Canal de desvio. 1995 g.

A Ponte de Pickalov. 2003 g

A Ponte Pikalov. 2003 g.

Avalie este artigo
( Ainda sem classificações )
João Pereira

Desde que me lembro, sempre fui fascinado pela beleza do mundo ao meu redor. Quando criança, sonhava em criar espaços que não apenas encantassem, mas também influenciassem o bem-estar das pessoas. Esse sonho tornou-se minha força motriz quando decidi seguir o caminho do design de interiores.

Artigos brancos. TVs. Computadores. Equipamento fotográfico. Revisões e testes. Como escolher e comprar.
Comments: 3
  1. Diogo

    Qual a relação entre Alexander Kitaev e sua cidade natal, São Petersburgo? Ele tem alguma influência cultural ou histórica na cidade?

    Responder
    1. Diogo Ramos

      Alexander Kitaev é um renomado matemático que nasceu em São Petersburgo, Rússia. Sua ligação com a cidade é fortalecida pelo fato de ter estudado e trabalhado na Universidade Estatal de São Petersburgo. Embora não seja muito conhecido fora do mundo acadêmico, Kitaev contribuiu significativamente para a matemática e a computação quântica, o que pode ser considerado uma influência cultural e histórica para a cidade. Sua pesquisa inovadora e o reconhecimento internacional que recebeu certamente colocam São Petersburgo no mapa como um centro de excelência em matemática e ciência.

      Responder
  2. António Nunes

    Quem é Alexander Kitaev e o que torna São Petersburgo tão fascinante para ele? Gostaria de saber mais detalhes sobre a conexão entre o misterioso Kitaev e essa cidade russa icônica.

    Responder
Adicionar Comentários