Kirill Ovchinnikov: a vida é uma série contínua de momentos

Kirill Ovchinnikov – artista Português, designer, jornalista, fotógrafo profissional. Nasceu, viveu e trabalhou em Lisboa. Educação: Faculdade de Arte e Gráfica, Instituto de Aço e Ligas de Lisboa. Membro da Associação Internacional de Artistas Gráficos desde 1990. Coopera com as principais revistas russas e estrangeiras: “Russian Reporter, Snob, Around the World, Architectural Digest, Elle, Elle Decor, Esquire, Harper’s Bazaar, L’Officiel, Newsweek, N. G. Viajante, Vogue, Wallpaper, etc. Trabalha com agências de publicidade e empresas.

Exposições: Museu de Arte Multimédia Krymsk. Testemunhas. Discurso directo” Lisboa, 2013 . A Exposição de Fotografia de Arte San Diego, EUA, 2009 . “Moda e Estilo na Fotografia” Lisboa, 2005, 2009 . “Dia dos Mortos no México”. Museu de Arquitectura com o nome de V.I. Vernadsky. Shchusev Lisboa, 2008 . O melhor da Portugal Lisboa, 2008-2014 . CEH “Manege” Lisboa, 1990-1995 .

Prémios: Prémios Internacionais de Fotografia 2013 . Prémios Black & White Spider 2012 . Prémios Hasselblad Masters 2008, 2010 . Associação Nacional de Fotógrafos de Imprensa 2013 . A Mostra de Fotografia de Arte 2009 , etc.

As suas obras encontram-se em museus e colecções privadas.

Kirill Ovchinnikov. Foto: Lee

Liya Khafizova

O INÍCIO

– Tenho desenhado muito desde criança, andei na escola de arte, estou interessado na história. Depois de terminar o 8º ano, fui para o colégio de 1905, mas não entrei. Frequentou a escola de arte e teatro, estudou lá durante um ano, mas não gostou. Não frequentei a escola durante um ano. Licenciado em três meses da escola nocturna para jovens trabalhadores, obteve um diploma do ensino secundário. Trabalhei como moldador numa fábrica de aço. Fui para a universidade para estudar história. Não entrou, alistou-se no exército.

No exército, conheci um artista da empresa de decoração. Decoraram o pavilhão desportivo e o auditório. Lembrei-me que também era artista, por isso comecei a pintar com eles. Depois do exército, eu tinha a certeza de que tinha de continuar o meu trabalho artístico. Trabalhou com pintura a óleo. Levou o seu trabalho ao Manege, onde havia uma exposição anual de artistas de toda a União, e havia um comité de admissão, como diríamos hoje. Fui imediatamente aceite na União de Artistas Gráficos. Depois disso, acreditei em mim mesmo, continuei a escrever. matriculado na Escola de Arte, continuou a trabalhar e a estudar no departamento nocturno.

Licenciado pelo instituto, trabalhou na escola – era uma obrigação para os jovens profissionais. Trabalhei durante um ano como professor de desenho e pintura. Eu tinha 21 anos de idade, tinha estas grandes testas a entrar, tinha de as manter caladas, por isso bati-lhes com uma régua. Eu trabalhei em . Pintado. Mas depois aconteceu a Perestroika e tudo mudou drasticamente. O seu plano de vida – aderir ao Sindicato dos Artistas, trabalhar em comissões e conceber clubes, piscinas e centros culturais – derreteu.

PERESTROIK

– Chegaram os anos 90. Fui a Izmailovo, tentei vender as minhas obras a estrangeiros no vernissage, participei em exposições. Em 1996 decidi que a pintura tinha acabado. Tinha uma família, dois filhos. Tive de os apoiar. Desisti de tudo e entreguei-me ao negócio. Negociei em Luzhniki, fui à Turquia em busca de mercadorias. No início, tudo era interessante, excitante: Turquia, sacos, vaivéns. Caminhei por toda a Turquia. Viajei e escrevi diários. Uma delas foi publicada na revista “The Bear”. Eu pensei: ‘Isto é fixe! É isso que vou fazer no futuro. Trabalhei muito com “Medved” e até fiz produções fotográficas.

Ao mesmo tempo, escrevi artigos para outras revistas. Um arquitecto conhecido trouxe-me à revista Mir & Dom. Escrevi textos sobre interiores. Foi uma coisa estúpida de se fazer. Queria fazer algo interessante. Que coisas interessantes pode escrever sobre um interior?? Inventei algumas histórias fantásticas, até ganhei um prémio pelo meu ensaio sobre o estúdio de design. Depois decidi avançar em direcção à arte e comecei a desenhar revistas. Combinei as funções de um director de arte e de um editor de fotografia. Aprendi e passei três anos a criar uma revista, que foi onde conheci diferentes fotógrafos. Nem sequer tinha pensado em ser eu a disparar. Actuou como realizador e produtor para a filmagem.

AFIADO-NATUREZA

– Um dia, olhei para um quadro e pensei: “A fotografia é o mesmo que a pintura, só que mais rápida”. E eu disse ao editor-chefe: “Pagamos tanto aos fotógrafos por tirarem fotografias. Comprem-me uma máquina fotográfica, eu tiro as minhas próprias fotos!”.

O editor não se apercebeu que podia perder um director de arte dessa forma. Disse ele: “Óptimo!” – e comprou-me uma máquina fotográfica. Andei com uma máquina fotográfica durante seis meses, li alguns livros. Fui imediatamente encarregado de filmar alguma casa, alguns edifícios novos. Acabou por se revelar bastante bom. Foi assim que comecei a filmar. O Salon Interior foi a primeira revista nacional de design de interiores e foi muito prestigiada para entrar. Fui encarregado de filmar o arranjo floral. Filmei a abertura aberta, que na altura foi pioneira na fotografia de interiores. A explicação era simples: eu não gostava da artificialidade do flash. Tive um filme “bebé” com uma lente Fresnel que me foi dada por Dima Livshits, e tentei usar a luz natural tanto quanto possível. Sempre adorei a luz natural, e compreendo como ela funciona. A revista disse-me: “Kirill, tu sabes disparar assim, de forma brusca e não brusca, dispara assim para nós…”.

Há uma história interessante relacionada com a revista Interier + Design. Um fotógrafo que deveria fotografar o arquitecto e estrela do design italiano Giulio Cappellini, que veio a Lisboa por alguns dias, ou recusou ou adoeceu. Pediram-me por acaso estive lá uma vez – penso que trouxe a minha primeira filmagem . Eu fui. Devia tê-lo filmado no salão interior. Uma pilha de mobiliário, algumas pessoas, e penso que houve um buffet. Estou a pensar: “Onde posso filmá-lo??”. Fora das janelas, é Inverno, está a nevar. Levei-o lá fora e dei-lhe um tiro no casaco e nos sapatos na neve, em frente aos seus anúncios vermelhos e brancos. Era interessante e, para aqueles dias, bastante vanguardista. Todos gostaram, foi publicado.

Uma vez que Cappellini me pediu para lhe trazer as fotografias, corri até ele no dia seguinte com os negativos recém-impressos. O italiano, que tinha sido fotografado por um milhão de fotógrafos, olhou para ele e disse: “Vou comprar-lhe estas fotografias pelo que valer?”. – “Cem dólares”, disse eu, a primeira coisa que me veio à cabeça. Ele comprou tudo, e eu achei que era um bom sinal para o meu primeiro emprego. Depois disso, filmei muitos retratos diferentes para diferentes revistas. Sempre adorei fotografar pessoas – mais do que adoro fotografar interiores. Tiroteio de interiores – calmo e comedido – vi isto como uma sessão de treino. Prepara-se o tiro, trabalha-se na luz. Lembra-me de como os artistas costumavam pintar naturezas mortas. Trabalho silencioso no estúdio.

MÉXICO. LIVAN. O PONTO DE VIRAGEM

– Assim que tive a oportunidade de filmar publicidade de viagem, saltei para todas as oportunidades de ir a algum lado. Fomos filmar o México para a Volta ao Mundo. Também, a propósito, em vez do maravilhoso Boris Bendikov, que foi aprovado mas não pôde ir por causa de uma manobra publicitária. Ele recomendou-me. A história do “Dia dos Mortos no México” esteve em exposição no Museu de Arquitectura, onde conheci Andrei Polikanov, director fotográfico da revista “Russian Reporter”.

Já trabalhamos juntos há muitos anos. A minha primeira câmara foi uma Asahi Pentax de formato médio, depois uma câmara cardan. Nunca filmei com uma câmara de reportagem, e queria filmar reportagens. Mas não é grande coisa a menos que seja uma cidade dilacerada pela guerra . Fui à TASS e disse que queria ir para o Líbano. Eles concordaram, comprei um Hasselblad e conduzi até Beirute onde os bombardeamentos tinham acabado de terminar. Filmei a história de Feliz Natal no Líbano. Mandei-o a um concurso internacional, e ele ficou em segundo lugar. Esta foi a minha introdução à fotografia documental.

– É agora frequentemente encarregado de filmar retratos e interiores?

– A era da popularidade total das revistas chegou ao fim. Eles estão a cortar nas encomendas. Acontece cada vez com menos frequência. Por vezes faço retratos para a Vogue e Bazaar. Eu disparo digitalmente, a cores, e não gosto muito. Estou num ponto de viragem neste momento. Poucos clientes que querem algo invulgar, criativo. A maioria das pessoas quer a clareza e o padrão.

– Mas ainda há clientes que querem algo invulgar?

– Para o livro “Journey to Kargopol” filmei-o como sempre quis: não como um produto mas como arte. Não é sequer a singularidade, é a credibilidade do seu gosto e do seu olhar, a falta de um enquadramento artístico. Quando as pessoas dizem: “Não precisamos de arte”, significa que não haverá arte nenhuma.

– É uma bela história!

– Foi o que aconteceu com a HPP Sayano-Shushenskaya para Rosgidro quando participei no projecto People of Light.

FOTOGRAFIA E PINTURA

– A sua educação “pictórica” ajuda-o ou dificulta-o como fotógrafo?

– A primeira coisa que me vem à mente quando estou prestes a fotografar uma imagem é como posicionar os elementos na moldura ou na tela. Neste caso, não há diferença entre pintura e fotografia. O que é importante é como se posiciona e como se coloca a luz.

– Imagine que teve rapazes de cerca de 12 anos de idade que vieram até si para estudar. Qual seria a sua primeira tarefa?? Por onde começaria na sua primeira aula de fotografia??

– Da história da arte e do desenho. Eu ensiná-los-ia a desenhar uma pirâmide, um cubo e uma bola. Eu não me proporia a fazer o mesmo que na escola de arte – eles querem ensinar-te o golpe – limitar-me-ia à linha. A seguir sugere-se esboçar a paisagem in situ. Porque um esboço é apenas uma forma de capturar a essência e de transmitir a imagem. Quando comecei a fotografar, continuei a tentar compreender a diferença entre fotografia e pintura. Tentar compreender a fotografia. Já vi muitas fotos diferentes.

– Fale-me sobre os seus retratos. O retrato parece-me ser o género mais difícil de fotografia, apesar da sua aparente simplicidade.

– Um bom retrato é feito com o interesse de ambas as partes: o sujeito e o retratista. O género do retrato não mudou desde tempos imemoriais. Os pintores demoram muito tempo a pintar um retrato, a fotografia fá-lo muito mais rapidamente. Como antigo pintor, gosto disto: reduz o tempo. O artista tem de encontrar uma forma, fazer um bloco e, após muito trabalho e esforço, produzir um retrato. Mas tem mais tempo para transmitir o estado de espírito. O retrato pictórico fez as rondas de realista a abstracto. No seu conjunto, a pintura fez um círculo e fechou sobre o abstracto. Uma das razões que me levou a desistir da pintura. Para mim, o abstracto é o fim da arte. Penso que cada forma de arte tem o seu próprio significado, a sua própria distintividade e funcionalidade, a sua própria finalidade clara. Agora a fotografia também fez as rondas e tem havido alguma conversa sobre se a fotografia é necessária, do que se trata a fotografia..

Para mim, a fotografia é sobre o momento, a alma do momento, a essência do momento. O tempo que um retrato leva, não pode ser muito longo, mas também não pode ser muito curto. Estou muito próximo das palavras de Paolo Roversi: se não há luz, não há imagem. Ele acredita que quanto maior for a exposição de um retrato, mais a alma de uma pessoa é capturada em filme. Acredito nisso. Um retrato tirado a 1/2000 é diferente de um retrato tirado a 1/8. Acho que o tempo e o processo de exposição transmitem algo, afinal de contas. Talvez a ligação entre o sujeito do retrato e o retratista, a atmosfera que emerge.

– Parece-me que se não existe tal ligação, não existe um bom retrato: ou é acidental ou formal. Na minha opinião, não existem receitas prontas, não se pode derivar uma fórmula para uma obra-prima, escrevê-la em papel e passá-la como a única forma possível de “cozinhar” um retrato.

– Concordo. É possível obter algo perfeito para uma exposição muito longa, mas perde a sua qualidade comercial.

– Provavelmente já o experimentou quando não gosta do que recebe. Porque há um certo ideal na sua mente, uma certa obra-prima à qual tenta aproximar-se?

– Sim, já o fiz, mas é discutível. A fotografia é um momento. Um retrato não pode tornar-se um retrato para os tempos. Uma imagem perfeita só pode ser perfeita durante um período de tempo específico.

– Quais são os seus objectivos como fotógrafo de retratos??

– Não tenho quaisquer preocupações de excesso quando estou a tirar um retrato. Para mim um bom retrato é um retrato sem nada supérfluo. Se remove o supérfluo, o retrato é bom, é bom.

– Mas não se pode dizer que o retrato e a pessoa que se está a fotografar são 100% idênticos?

– É impossível. Porque os seres humanos são diversos, e é impossível captar a sua diversidade num único retrato. O olho humano capta a diversidade da outra pessoa. Um olhar pode ser comparado a um milhar de fotografias. O olhar é tridimensional, tem a qualidade de idealizar, de imbuir uma pessoa de algo que ela não possui, de captar o humor e a atmosfera de uma pessoa. E uma máquina fotográfica, um filme ou uma matriz não podem fazer isso. A técnica tem possibilidades limitadas, mas um artista pode alargar os horizontes do espectador com destreza técnica, e de alguma forma transmitir atmosfera e humor. Se for bem sucedido, já é bom.

– Tem uma técnica secreta, um truque que usa nos seus retratos?

– Não, eu conto tudo a todos. Não tenho nenhum truque especial. Apenas não tiro fotos de pessoas em posições não naturais, posturas não naturais, faço-as saltar e fazer coisas não naturais a menos que faça parte do conceito . Costumo pedir às pessoas que se sentem ou fiquem de pé como querem e pensem sobre o que querem pensar. Por vezes, se uma pessoa não o consegue fazer, eu tento ajudá-la.

– Será que um fotógrafo de retratos tem de sentir algum tipo de emoção em relação à pessoa que está a fotografar??

– O estado de espírito antes de tirar uma fotografia é muito importante. Deve ser equilibrado e desapaixonado. Mesmo que não funcione, não há contacto com o assunto, tem de se manter calmo e fingir que não aconteceu. É preciso aprender a disparar num piscar de olhos. Conheço fotógrafos que desgastam as suas personagens até à exaustão. A técnica ‘um tiro’ permite apanhar pessoas desprevenidas – e elas não têm tempo para reagir. As emoções podem atrapalhar o caminho. Amigos e familiares são mais difíceis de fotografar: está preso numa relação estereotipada. Os estranhos são mais interessantes para fotografar. O processo de tirar a fotografia torna-se um processo de reconhecimento e descoberta. O primeiro olhar é o mais verdadeiro. Eu compararia com a facilidade de fotografar um país estrangeiro e o quão difícil é fotografar o seu próprio país. Gosta de um país estrangeiro, tudo é novo para si e nota-se coisas que as pessoas que lá vivem não notam.

– Concordo que a coisa mais difícil de fotografar é o país e a cidade onde se vive. É provavelmente por isso que não temos muitas boas fotografias de Lisboa, embora haja aqui muitos fotógrafos talentosos.

– Sim, Lisboa é difícil de atirar. Especialmente por vontade própria. É mais fácil de trabalhar para encomendar. Depois tem um período de tempo limitado e um objectivo claro. Tem medo de desapontar as pessoas, quer manter a sua marca e reputação, quer passar por cima de si próprio para ganhar dinheiro. Há uma forte motivação.

– O que acontece quando se dá a si próprio um trabalho??

– É preciso estar ainda mais concentrado, é preciso invocar a vontade..

BELEZA E HARMONIA

– O seu tema interior é o que é?

– Estou à procura dele. Há um tema, mas ainda não encontrei uma utilização para ele. Estou sempre atento à beleza, não importa o que fotografo. Mesmo quando ainda não era fotógrafo, era um artista. Para mim, a beleza é sempre o principal e decisivo indicador do que tenho para transmitir. Mas a modernidade exige algo mais.

– A beleza é um palavrão hoje em dia

.

– Eu sei. E estou quase persuadido de que não se fala disso.

– Mas não acreditaria nisso?

– Quase que acredito nisso.

– Beleza é uma palavra com muitos significados, muitos níveis. Estamos a falar de beleza ou harmonia?

– São quase sinónimos. A beleza é harmonia em tudo: cor, luz, proporções. A “harmonia” é mais ampla do que a beleza. Beleza é uma palavra maldita, maltratada e antiquada. Continuo a pensar que uma verdadeira obra-prima deve apelar a todos, independentemente das crenças, idade ou o que quer que seja. Se for uma verdadeira obra-prima, o canalizador, o carpinteiro, o professor de física e o crítico de arte irão adorá-la. Toda a gente gosta de uma obra-prima.

– O que pensa que é uma obra-prima??

– Para mim, a harmonia é uma obra-prima. Esta é uma fotografia verdadeira. Um momento significativo. A composição perfeita. Perfeita harmonia de luz e cor. Conteúdo que todos podem compreender e relacionar-se com. Todos ainda estão a aprender sobre obras-primas que não são tanto revolucionárias como evolucionárias e harmoniosas. São compreensíveis para qualquer pessoa. E o que está próximo dos críticos pode ser inovação barata, compreensível apenas para um círculo limitado.

– Parece-me que um crítico com ampla informação compara qualquer trabalho novo com o que já foi, e tenta encontrar o seu lugar e definição. Grosseiramente falando, para deixar uma marca e um inventário. Quantas modas e tendências houve na nossa memória. Eles vêm e vão, apesar do entusiasmo generalizado por eles. São bastante experimentais, exploratórios. Tem de seguir sempre a moda??

– Mas eu tenho de o fazer. Embora nem sempre necessário.

– O seu fascínio pela câmara cardan, filmada – não é ditado por um desejo de deixar o mainstream e fazer algo por si?

– Nem por isso. Comecei a filmar com uma câmara de grande formato porque estava a filmar interiores e arquitectura. E assim que comecei a filmar, apercebi-me da beleza da câmara e das suas possibilidades. Não me pude separar mais dele.

– Estava a filmar Krymsk com uma câmara de suspensão cardan?

– Não, o Hassel, como Beirute do pós-guerra. Krymsk é um exemplo da escolha certa de estratégia e solução técnica para uma dada tarefa. Cheguei a Krymsk no quarto dia da tragédia. Rapidamente percebi que tinha de disparar dentro de casas e que tinha de disparar a cores. Pode-se ver tudo na casa, a que nível a água atingiu, o que foi danificado. Coloquei as minhas personagens, escolhi as minhas localizações. Gravado e filmado ao mesmo tempo. Disparo rapidamente, porque passado algum tempo começam a sair do seu estado correcto e começam a posar. Comecei a fotografar pessoas e percebi: elas são testemunhas. Cada um conta a sua própria história – temos o panorama geral. Estava muito calor. Num dia, tinha percorrido muitos quilómetros a pé. Foi física e psicologicamente difícil.

– Em Kargopol regressou à câmara de suspensão cardan. Como pensa ter completado a sua viagem Kargopol?*

– Não, não creio que tenha concluído o projecto. Fotografo sempre algo por mim próprio em qualquer projecto. Mais precisamente: disparo tudo por mim mesmo. Em cada projecto tento filmar o máximo possível para a tarefa em mãos, e não perco uma oportunidade de filmar algo interessante para além da encomenda. Gostaria de voltar a Kargopol para filmar mais algumas histórias “humanas. Estou à procura de oportunidades. Há tanto para ver. Sinto-me como se estivesse no início da minha viagem. Mas eu ainda não formulei o meu tema interior.

– Por isso, viverá muito tempo.

“Kargopolskoe Journey”. Sete rotas através da terra do Norte da Portugal com Kargopolsky museu histórico, arquitectónico e de arte”. M.O programa “Primeira Publicação” da organização caritativa sem fins lucrativos Welfare Fund. Potanin, 2014. 836 s.773 il. O livro ganhou o concurso nacional “Livro do Ano” em 2014, na categoria “Livro de Arte. Ovchinnikov trabalhou no projecto em conjunto com outro fotógrafo, Sergei Melikhov. Sergei filmou a vida e os rituais das pessoas, Kirill a arquitectura e a atmosfera. Editora chefe Liliya Khafizova. Director de arte Evgeny Korneev.

Igor e Olga Gorbachenko. O seu filho Stanislav. “Temos onze crianças, as mais novas foram todas enviadas para o acampamento. Graças a Deus, a casa sobreviveu. Embora tenhamos a nossa própria

o meu rio vive. No sótão têm estado. Muita ajuda está a vir de muitas pessoas diferentes. Alimentos e lavandaria trazidos. Obrigado a todos. Temos uma grande família, vamos conseguir. 16 Rua Naberezhnaya.

Tiroteio para g

Repórter Português

Lyosha, vizinha de Albina: Sim, eu conhecia-a, costumávamos andar juntos. Eles têm vivido aqui recentemente. O tio Yura estava a esculpir um buraco do sótão, ele queria tirá-los para fora. Mas eu não tive tempo para. Todos eles gritaram e gritaram, depois pararam. Não conseguia saltar do sótão para a água, a corrente era demasiado forte. E a janela está completamente submersa. Eu estava sentado no sótão ao lado, eu vi tudo. Rua Sovetskaya, 218

Sessão fotográfica para a revista Repórter Russa

Ovchinnikov