Crítica fotográfica de Rozov: Libertar as bolas coloridas

Várias séries anteriores de fotografias de análise continham trabalhos muito competentes submetidos aos nossos concursos. Pareceu-me que a educação fotográfica elementar tinha penetrado profundamente nas massas de leitores, e tudo o que restava a fazer era apontar os grandes sucessos e as pequenas falhas nas críticas. No entanto, os ficheiros que me foram enviados desta vez não são, infelizmente, tão luxuosos. Tenho de voltar a coisas simples: enquadrar e enfatizar o principal no enquadramento.

A coluna “Fotocrítica” é dirigida por Georgy Rozov, um conhecido fotógrafo e professor, e autor de livros populares sobre a técnica e arte da fotografia.

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1. i 2.”Vender sonhos”

Alexander

Durmanenko. Lutsk, Ucrânia.

Câmara Panasonic Lumix DMC-FS37.

Abertura f/4.7

Velocidade de obturação 1/500s

Sensibilidade ISO 100

Conversão P/B

Os fotógrafos chamam a um selo uma técnica brilhante que tem sido usada frequentemente e durante muito tempo e que, por isso, é aborrecida para todos no mundo. É o que acontece quando se alimenta o mesmo bolo delicioso de manhã à noite. Muito em breve quer algo picante, salgado, azedo, mas não doce.

O trabalho de Alexander não é apenas um grampo, mas um grampo muito comum. Esta técnica de branqueamento parcial ou coloração parcial é normalmente aplicada na fotografia publicitária para chamar a atenção para alguma parte importante da composição, tal como uma capa de revista. Num retrato, por exemplo, tudo foi branqueado, deixando apenas os lábios vermelho vivo. Ainda hoje é possível encontrar o uso de descodificadores parciais em anúncios televisivos, o que é aceite calmamente pela audiência, sem protesto: o mundo da publicidade é convencional, qualquer tipo de ficção é possível nele. Mas a fotografia do género de Alexander Durmanenko não é de todo um anúncio para bolas. É sobre sonhos de menina. É por isso que a ênfase da cor nas bolas não é justificada.

Duvidando da oportunidade de aplicar um selo publicitário a uma imagem de género, decidi devolvê-la ao seu “estado primário”. E depois enquadrei-a, removendo tudo o que parecia supérfluo.

Os meus anciãos ensinaram-me na minha juventude: se se se pode cortar uma imagem sem prejudicar a sua percepção, isso significa que não é bem pensado. Contudo, após alguma manipulação simples, o quadro tornou-se um estudo de género bastante decente.

3. “E o Inverno chegou”

Evgeny Turkov. Penza.

Câmara Nikon D90

Nikkor 18-105mm f/3 lente.5-5.6G AF-S ED DX VR

Abertura f/9

Velocidade de obturação 1/125 segundos

Sensibilidade ISO 200

A fotografia elegíaca de Evgeny Turkov encantou-me com a sua precisão técnica e composicional. A limpeza e a frescura húmida do final do Outono Português. Na minha opinião, a imagem original deveria ter tido apenas um ligeiro contraste com o uso de curvas no Photoshop, porque Evgeni não fixou ponto preto e ponto branco para não perder a textura da neve. O quadro ficou cinzento como resultado. Também não queria correr o risco de perder detalhes nos destaques e deliberadamente silenciar os tons na segunda e terceira zonas da escala de Adams. O quadro tornou-se zumbido e brilhante.

Para aqueles a quem a referência da escala de Adams parece demasiado complicada, direi que são apenas dez quadrados pintados em tinta cinzenta e incolor. Do branco perfeito à escala de cinzentos até ao preto de breu. Pode ler, por exemplo, no meu primeiro livro, “How to shoot”. A Arte da Fotografia” .

4. “E silenciosamente o nevoeiro flutuava”

Evgeny Turkov. Penza.

Nikon D90

Nikkor 18-105mm f/3 lente.5-5.6G AF-S ED DX VR

Abertura f/9

Velocidade de obturação 1/125 seg

Sensibilidade ISO 200

Outra paisagem por Evgeny Turkov. Antes de escrever sobre o assunto, mostrei-o a algumas raparigas que olham para muitas fotos diferentes mas não as tiram elas próprias. Gostaram do quadro quase incondicionalmente. É arejado, tenro e comovente. Esta é a voz do povo.

Mas o que me impressionou imediatamente, devido ao meu envolvimento directo no processo, foram os “ouvidos do fotógrafo”. Tirei fotografias do nevoeiro da manhã e da noite, e do nevoeiro nas planícies, e nas montanhas. Sei muito bem como se parece o nevoeiro nas fotos, é por isso que algumas inconsistências me ferem os olhos. Evgeniy, provavelmente, disparou sobre o lago de manhã e viu o nevoeiro com os seus olhos, mas não ficou satisfeito com o ficheiro recebido.

O “Photoshop” ajuda-nos se soubermos como utilizá-lo correctamente, mas neste caso o grau de domínio deste maravilhoso programa ainda não permite a Eugene desenhar o “correcto” nevoeiro. As imperfeições são demasiado visíveis, o que torna difícil acreditar e sentir. Para ser mais específico: a área do barco não é alisada e permanece um ponto rectangular claro; a nitidez dos contornos do barco, as varas, a elaboração do rosto do pescador não diferem muito dos parâmetros da imagem no centro da moldura. No nevoeiro, a perspectiva tonal, ou seja, a dispersão da luz deve ter corroído a nitidez, o detalhe e o contraste da vedação e da vegetação por detrás dela, para não mencionar a casa à esquerda.

Em resumo, o nevoeiro não se parece com nevoeiro real. Do meu ponto de vista. Mas isto é susceptível de permanecer um mistério para a maioria dos telespectadores. Contudo, este conforto só me encorajaria e comecei a ler livros sobre o “Photoshop”.

5. “O Rio Crow”

Sergei Gritsko. Região de Tambov.

Câmara Sony A550

Sergey enviou uma paisagem típica da Portugal Central. Um prado inundado com um rio, relva verde e até um barco. Gosto do lugar que o autor escolheu para filmar, por isso é uma pena que Sergei não tenha conseguido espremer tudo o que tem no assunto. Há várias razões.

Não é uma escolha muito boa de ponto de vista. O barco em primeiro plano à direita é o único objecto feito à mão, e é por isso que é um apanhador de olhos, mas não é um rebuçado de olhos deste ponto de vista. Não só é cortada de alguma forma ilógica, como também se encontra quase verticalmente na moldura, argumentando com a diagonal do rio. Era compreensível se fosse paralelo à margem do rio. Em qualquer caso, a presença de um objecto tão conspícuo no quadro teria de ser justificada de alguma forma. Por acento ligeiro, nitidez, contraste ou o que quer que seja, mas o barco deve tornar-se um objecto de admiração e tornar-se a coisa principal na imagem. Mas isto acontece quase automaticamente com tudo o que aparece no primeiro plano de uma imagem de paisagem. E se não conseguir fazer o barco parecer bem, faz sentido separar-se dele e filmar o que a natureza fez. Ela nunca está errada, o seu gosto é impecável.

É por isso que a relva verde clara à esquerda do barco se torna o foco principal neste caso, mas também não é tão boa como gostaríamos. Se olhar atentamente para a cor das folhas em primeiro plano, fica surpreendido ao descobrir que elas parecem ser pulverizadas com uma única cor e meios-tons são impossíveis de encontrar. Pode obter este tipo de monotonia drabica ao aumentar artificialmente a saturação ao converter um ficheiro RAW. Como resultado, os volumes e texturas desaparecem e a imagem torna-se plana e inexpressiva. Nota: apenas a relva em primeiro plano, à esquerda do barco, foi saturada. E do lado direito pode ver como era a vegetação antes de processar. Aqui os objectos verdes são tridimensionais e multicoloridos. Há um mar de tons. E mais adiante, na parte de trás do quadro, a vegetação encanta o olho com a sua variedade realista de cores.

Algo semelhante aconteceu com o céu quando o autor o branqueou e o escureceu. Compreendo: eu queria um efeito dramático pré-ameaça, ou não gostava da combinação de céu azul e erva verde-amarelada. Estes matizes muitas vezes não vivem lado a lado. O autor conseguiu: a dissonância de cor desapareceu, mas a dissonância de composição permanece.

A questão é que a linha do horizonte, que divide a imagem exactamente ao meio, desafia o espectador a decidir o que é mais importante: o solo ou o céu. O posicionamento da linha do horizonte numa das linhas da regra dos terços deve-se ao desejo de resolver esta questão para o espectador, para lhe poupar a dor de analisar o quadro a nível composicional. Cabe a ele, o espectador, dizer “uau!”.

Mas vejo muitas vezes paisagens maravilhosas com uma divisão simétrica de uma imagem em cima e em baixo, e são paisagens bastante harmoniosas e belas. A regra dos terços nestes parece ter sido quebrada, mas não há castigo..

Olhando através deste tipo de partidas felizes das normas de composição aceites, há uma explicação muito lógica para os êxitos. Algures a estrutura é salva pela simetria total do céu e o seu reflexo no rio, poça, pedra polida, superfície metálica de uma mesa… Ou uma lâmina de relva, um poste de candeeiro ou uma bela árvore que se fundem numa das partes desintegradas da composição.

O céu está vazio no trabalho de Sergey, mas há muito para ver no chão. É por isso que sugiro que se opte pela parte inferior da moldura. O resultado é quase um quadrado sem nada a mais.

6. “Corações”

Kateryna Moskaluk. Lviv, Ucrânia.

Canon EOS 50D

Canon EF 28-135mm f/3.5-5.6 É USM

Abertura f/6.3

Velocidade de obturação 1/160 segundos

ISO 100

Excelente fotografia de género! Ekaterina conseguiu combinar coisas que não se encaixam bem: ela captou a expressão de amor vivo, abertura emocional e ternura encantadora dos dois amantes, ao mesmo tempo que fez uma combinação muito precisa das duas metades da fotografia. O terço esquerdo regra dos terços é o destaque “escuro sobre a luz”, e o segundo par à direita é “claro sobre o escuro”. O principal está em primeiro plano, a nitidez está focada nos personagens principais, o momento decisivo é capturado, e assim a imagem é imediatamente legível. Os espectadores não passam por estas fotos!

7. “Easter” por Tatyana Litvin. Kharkov, Ucrânia.

Câmara Olympus E-M5

8. Páscoa versão recortada .Depois de cortar bem a moldura, a acção principal está nos terços. Neste momento, parece que se pode descansar facilmente e desfrutar do que foi alcançado. Contudo, tentei escurecer o fundo por detrás da personagem principal, de modo a que as gotas de água que formam o arco da auréola fossem ainda mais contrastantes com o fundo escuro.

Cena de género fotografada por Tatiana é uma boa desculpa para falar mais uma vez sobre o papel do enquadramento. Compreendo como é difícil enquadrar um procedimento tão dinâmico. O padre é geralmente imprevisível: prever a trajectória de uma corrente de água benta não é uma tarefa fácil. E a nitidez é mais fácil de focar no ponto central do que na periferia. É por isso que a auréola brilhante das gotas de água aparece no centro da moldura. O autor sentiu que o sotaque visual e semântico estava lá, e que este arco em particular era o principal na imagem. Mas o autor não teve tempo para pensar sobre o que fazer com o vazio no topo da composição. Nestes casos, é claro, é melhor disparar de alguma forma do que não disparar de todo.

Em casa, ao converter-se, pode pensar na disposição composicional do tiro e arrumá-lo. Regra principal para enquadrar – remover coisas desnecessárias. Tudo o que se interpõe no caminho de uma rápida leitura da imagem. Aqui, por exemplo, a parede por cima das cabeças das mulheres certamente não acrescenta nada. Pode ser amputado através de um corte horizontal. Mas então o pai perderia a cabeça? Ai de mim! E a cabeça do padre não é muito importante. Pode ser sacrificada. Além disso, a faixa de luz que se formou nas costas do rabo é irritantemente activa e distrai a atenção do halo dos salpicos. Deve também ser sacrificada. E o que fazer com a namorada do protagonista? Amputar, também? Na minha opinião, é uma pena, ela está a esguichar muito bem. Mas para ser um minimalista consistente, é preciso cortar!

No final conseguimos um bom retrato de género de uma rapariga com um pão de forma. Vale a pena chorar e notar que a eficiência de preço da matriz da câmara neste caso é de 30%. Ou seja, as possibilidades de obter a fotografia mais detalhada não são utilizadas da forma mais racional. Uma colheita apertada no momento do tiroteio teria melhorado notavelmente o detalhe cf. foto 8 .

9. “Jardim não aborrecido”

Alexander Tutaev. Dolgoprudny, região de Lisboa.

Canon 5D Mark III

Modo manual

Lente Sigma 85 mm/1.4

Abertura f/2

Velocidade do obturador 1/250 s

ISO 3200

Conversão P/B

O impacto emocional de uma fotografia não está directamente relacionado com o significado do evento ou fenómeno nele representado. O trabalho de Alexander Toutaev é, na minha opinião, quase abstracto. Tente descrever por palavras o que é retratado. Acabei com uma lista de coisas vulgares: a noite, um banco, um candeeiro de rua, troncos de árvores, uma encosta, folhas de Outono, uma faixa de caminho em primeiro plano… Parece não ser nada de especial, mas a imagem faz-nos olhar para ela, atrai-nos para um mundo misterioso com os olhos de um silvicultor, o crepúsculo translúcido. Define o mundo interior de uma forma especial. É por isso que dizem que algumas imagens estão “no clima”. E neste caso não quero analisar se o autor utilizou ou não correctamente as técnicas de composição. O seu objectivo foi alcançado.